15 najważniejszych funkcji kinowych

Najważniejsze cechy teatru są ściśle związane z elementami wspólnymi dla każdej pracy lub przedstawienia. Termin teatr wywodzi się z greckiego słowa theatron, co oznacza „miejsce do patrzenia”.

Dlatego pierwotnie teatr odnosił się zarówno do miejsca, jak i szczególnej formy percepcji. W dzisiejszych czasach pojęcie teatru może odnosić się do: budynku, działalności („chodzenie” lub „robienie” teatru), instytucji i formy sztuki.

Teatr jest gałęzią sztuki scenicznej związaną z przedstawieniem i przedstawieniem opowieści przed żywą publicznością, wykorzystującą kombinację przemówień, gestów, scenerii, muzyki, dźwięków i spektakli, które mają na celu stymulowanie i ekscytowanie widza.

Umysł odgrywa również ważną rolę w teatrze, ponieważ ta artystyczna ekspresja jest odczytywana zgodnie z percepcją i wyobraźnią widza.

Wszystkie sztuki mają wspólne elementy, które charakteryzują tę sztukę. Następnie będziesz mógł zobaczyć bardziej szczegółowe funkcje.

15 charakterystycznych elementów teatru

1- Działka

To właśnie dzieje się w pracy. Odnosi się do akcji. Organizacja wydarzeń lub wybór i kolejność scen w sztuce. Według Arystotelesa jest to abstrakcyjna koncepcja, która odnosi się do rozporządzania incydentami, które stanowią surowiec i składniki historii.

Fabuła to sposób, w jaki te incydenty mają spójną całość. Jeśli oryginalny układ zamówienia zostanie zmieniony, zostanie wygenerowana nowa ramka. W teatrze dominują dwa rodzaje fabuły. Dalej, jego główne cechy i elementy wyróżniające:

Ekran rozdzielczości

• Fabuła zaczyna się późno w historii, bliżej końca lub kulminacji.
• Obejmuje krótki czas.
• Zawiera kilka stałych i rozszerzonych scen.
• Występuje w ograniczonej miejscowości, pokoju lub domu.
• Liczba znaków jest poważnie ograniczona.
• Istnieje kilka dodatkowych ramek.
• Linia działania przebiega w łańcuchu przyczyny i skutku. Postacie i wydarzenia są ściśle powiązane w ciągu logicznego rozwoju, prawie nieuniknione.

Fabuła objawienia

• Fabuła zaczyna się stosunkowo wcześnie w historii i przechodzi przez serię aktów.
• Obejmuje długie okresy czasu.
• Wiele krótkich i pofragmentowanych scen lub zmiana między krótkimi i długimi scenami.
• Może obejmować całe miasto lub nawet kilka krajów.
• Obfitość postaci.
• Często oznaczone kilkoma wątkami akcji, kilkoma równoległymi historiami.
• Sceny są ze sobą powiązane. Zdarzenie może wynikać z kilku przyczyn lub bez widocznej przyczyny, ale powstaje w sieci okoliczności.

2- Motyw

Podczas gdy fabuła odnosi się do działania dzieła, temat nawiązuje do znaczenia dzieła. Czasami jest to wyraźnie zaznaczone w tytule.

Innym razem może być zadeklarowany przez dialog postaci, która działa jako głos dramaturga. Czasami temat jest mniej oczywisty i pojawia się dopiero po przeanalizowaniu treści pracy.

3- Postacie

Są to ludzie, zwierzęta lub idee reprezentowane przez aktorów w pracy. Pod względem strukturalnym, postacie są czynnikami działania, które dostarczają motywacji do wydarzeń na fabule.

Każda postać musi mieć własną osobowość, wiek, wygląd, przekonania, pochodzenie społeczno-ekonomiczne i język. Zgodnie z ich funkcjami w pracy można opisać niektóre typy znaków:

• Bohater : Główny bohater.
• Antagonista : Główny przeciwnik bohatera.
• Odpowiedniki : ujawnij niektóre aspekty głównego bohatera, mając podobne lub różne okoliczności lub zachowania.

4- Skrypt lub tekst

To jest punkt wyjścia spektaklu teatralnego. Jest to tekst, za pomocą którego tworzona jest gra. Składa się z dialogu, wskazówek scenicznych, opisów postaci i tym podobnych w sztuce. Odnosi się do słów napisanych przez dramaturga i interpretowanych przez bohaterów.

5- Płeć

Charakterystyczna klasa pracy. Płeć pochodzi od francuskiego słowa oznaczającego „kategorię” lub „typ”. Wybór gatunku odzwierciedla punkt widzenia pisarza na ten temat.

W teatrze zazwyczaj prezentowane są następujące rodzaje utworów: tragedia, komedia, melodramat i tragikomedia. Każdy z tych gatunków można dalej podzielić według stylu i treści w:

Tragedia

Jest to naśladowanie działania, które jest poważne, złożone i istotne. Tragedia jest z natury poważna i dotyczy głębokich problemów. Te głębokie problemy są powszechne i wzbudzają współczucie i strach na widowni, będąc świadkiem akcji.

Komedia

Ma wizję rozśmieszenia publiczności, jest zazwyczaj fizyczna i energetyczna. Zachowanie prezentowanych postaci jest śmieszne i czasami absurdalne. Pobudza publiczność do korekty zachowania społeczeństwa.

Melodramat

To dramat katastrofy, okoliczności pozostające poza kontrolą bohatera powodują znaczące wydarzenia fabuły. Aspekty winy i odpowiedzialności głównego bohatera zostają wyeliminowane.

Bohater jest ofiarą okoliczności. Melodramat ma poczucie ścisłego osądu moralnego. Wszystkie prezentowane tematy są rozwiązywane w dobrze określony sposób. Dobre postacie są nagradzane, a złe postacie karane.

Tragikomedia

To odbicie samego życia, zawiera wszystkie poprzednie gatunki. Nie zamierza osądzać ani wydawać bezwzględnych sądów. Koncentruje się na relacjach międzyludzkich i pokazuje społeczeństwu ciągły przepływ.

6- kostiumy i makijaż

Są to elementy, które służą do scharakteryzowania aktorów podczas odtwarzania postaci.

Szafa

Odnosi się do ubrań i akcesoriów używanych na scenie przez aktora lub wykonawcę. Starożytni Grecy byli pionierami w opracowywaniu konkretnych kostiumów dla każdej postaci, sztuka ta służyła do ożywienia epoki średniowiecza i reprezentowała wielkie markizy dworu.

Makijaż

Wykorzystanie kosmetyków do zmiany wyglądu fizycznego aktora powoduje, że jego wygląd dostosowuje się do określonej roli lub kompensuje efekty oświetlenia scenicznego.

Sztuka makijażu została zrewolucjonizowana przez wprowadzenie oświetlenia elektrycznego i gazowego, a teraz stała się wysoce techniczną praktyką.

7- Efekty świetlne i dźwiękowe

Umiejscowienie, intensywność i kolor świateł, a także efekty dźwiękowe pomagają reżyserowi komunikować atmosferę, nastrój lub odczucia na scenie.

Oświetlenie zostało uznane za ważną cechę produkcji teatralnej, gdy występy w pomieszczeniach były po raz pierwszy wykonywane w okresie renesansu, obejmując używanie świec i łatwopalnych cieczy.

Najważniejsze innowacje w technologii oświetleniowej obejmowały wprowadzenie lamp podłogowych, zastosowanie reflektorów w celu zwiększenia intensywności wiązek światła i zaciemnienie świateł w widowni w 1876 roku.

Rozwój oświetlenia gazowego na początku XIX wieku stanowił ważny postęp pomimo zagrożeń. Wykorzystanie oświetlenia elektrycznego rozpoczęło się w California Theatre w San Francisco w 1879 roku.

Obecnie systemy oświetleniowe w nowoczesnych teatrach są kontrolowane przez wysoce zaawansowane komputerowe tablice, które mogą koordynować oświetlenie całego systemu. Inne najnowsze innowacje obejmowały eksperymenty ze światłem ultrafioletowym, laserami i holografią.

Efekty dźwiękowe to dźwięki generowane w celu towarzyszenia scenie w grze, które mogą być produkowane przez komputery lub aktorów wewnątrz i na zewnątrz sceny.

8- Dyrektor

Jest osobą odpowiedzialną za całkowitą jedność produkcji i koordynację wysiłków artystów. Praca reżysera ma kluczowe znaczenie dla produkcji spektaklu, ponieważ to reżyser ustanawia wizję produkcji dla wszystkich zaangażowanych.

Reżyser ma trudne zadanie polegające na złożeniu wielu złożonych fragmentów produkcji: scenariusza, aktorów, kostiumów, oświetlenia, dźwięku i muzyki w jednolitej całości. Aby wykonać to zadanie, reżyser potrzebuje:

• Interpretuj skrypt.
• Współpracuj z projektantami.
• Zaplanuj próby.
• Poprowadź aktorów w ich pracy podczas prób.

Praca reżysera często opiera się na szczegółowej analizie i analizie scenariusza, który jest przedmiotem montażu. Wiele starannych czytań scenariusza pomaga reżyserowi w indywidualnym spojrzeniu na intencje dramaturga. Twoje postrzeganie wpłynie na każdy aspekt produkcji.

Dyrektorzy badają również postacie w skrypcie, zbierając jak najwięcej informacji o ich cechach fizycznych i psychicznych, które są niezbędne do wyboru castingu.

9 - Publiczność

Grupa ludzi, którzy widzą pracę. Wielu dramaturgów i aktorów uważa, że ​​publiczność jest najważniejszym elementem teatru, ponieważ cały wysiłek włożony w pisanie i produkowanie sztuki jest przeznaczony dla publiczności.

Ponieważ w teatrze tłumacze są w bezpośredniej obecności publiczności, generowany jest cykliczny przepływ energii, aktor wpływa na publiczność i odwrotnie. Efekt ten potęguje fakt, że teatr jest wydarzeniem wspólnotowym.

Doświadczenie grupowe jest niezbędne, ponieważ grupa wzmacnia emocje doświadczane przez jednostkę i tworzy zbiorowe sumienie. Kiedy grupa osób reaguje podobnie do tego, co dzieje się na scenie, ich związek z innymi jest potwierdzany i wzmacniany.

Stopień oddzielenia obsady od publiczności jest tym, co odróżnia teatr konwencjonalny od teatru partycypacyjnego.

W pierwszym, publiczność wykorzystuje swoją wyobraźnię, aby uczestniczyć w pracy, jednocześnie oddzielając się od akcji. W drugim, aktorzy wchodzą w interakcję z publicznością próbując podążać za ustalonym i improwizowanym scenariuszem, kładąc nacisk na rozwój osobisty lub terapię zbiorową.

W teatrze publiczność proszona jest o przyjęcie wielu rodzajów wyimaginowanych światów. Jednym ze sposobów odróżnienia tych wyimaginowanych królestw jest podzielenie ich na tak zwany realistyczny i nierealistyczny teatr.

Realizm stał się dominującą formą teatru europejskiego pod koniec XIX wieku, stara się odtworzyć życie tak blisko, że publiczność zakłada, że ​​musi to być życie. Z drugiej strony, nierealizm próbuje przekroczyć obserwowaną rzeczywistość i przedstawić tę część życia, która istnieje w umyśle.

Błędem jest jednak zakładanie, że te dwa podejścia wzajemnie się wykluczają. Większość przedstawień teatralnych zawiera elementy realistyczne i nierealistyczne.

10- Scenografia

Służy do odtworzenia środowiska, w którym fabuła jest rozwijana, zestaw ma następujące cele:

• Ustaw ton i styl produkcji.
• Ustaw czas i miejsce.
• Odróżnij realizm od nierealizmu.
• Koordynuj krajobraz z innymi elementami.
• Rozwiąż ograniczenia przestrzeni scenicznej i poza sceną.

Wszystkie te cele są przedmiotem wielu spotkań dyrektora, scenografa i zespołu projektowego. Później pomysły znajdują odzwierciedlenie w szkicach, które po rewizjach, analizach i modyfikacjach pozwalają opracować scenografię, która najlepiej dostosowuje się do historii i wizji twórców.

Po zakończeniu tego etapu projekty są dostarczane do dyrektora technicznego, który wykonuje niezbędne konstrukcje, dostosowania i instalacje w scenariuszu materializacji planowanego.

11- Scenariusz

Są to urządzenia teatralne, takie jak zasłony, podłogi, tła lub platformy, które są wykorzystywane w dramatycznej produkcji.

12- Urządzenie

Istnieją różne kategorie rekwizytów. Wiele rekwizytów pochodzi ze scenariusza i jest elementami wymaganymi przez reżysera. Scenograf zazwyczaj prosi o rekwizyty zespołowe, takie jak meble, które pojawiają się na scenie, czasami występuje cienka linia podziału między tego typu rekwizytami a scenografią.

Prop to dowolny element mobilny, który pojawia się podczas spektaklu, z wyjątkiem kostiumów i sceny. Są to artykuły manipulowane przez jednego lub więcej aktorów. Książka, pistolet, kieliszek wina, między innymi.

13 - Akty

Stanowią ważny podział w rozwoju pracy teatralnej. Większość sztuk z epoki elżbietańskiej do XIX wieku została podzielona na pięć aktów przez dramaturgów lub późniejszych redaktorów.

Pod koniec XIX wieku wielu pisarzy zaczęło pisać dzieła czterech aktów. Obecnie jedno, dwa i trzy akty są najbardziej popularnymi grami.

14 teatrów (budynek)

To przestrzeń, w której spotykają się aktorzy lub publiczność. Istotne jest posiadanie obszaru, w którym artysta lub wykonawca komunikuje się z żywą publicznością.

Budynki teatralne ewoluowały od amfiteatrów Greków i Rzymian na świeżym powietrzu do niesamowitej różnorodności form, które widzimy dzisiaj. To przestrzeń wspierająca emocjonalną wymianę między obsadą a publicznością.

15- Konwencja

Konwencja teatralna jest praktycznym narzędziem wykorzystywanym przez dramaturga lub reżysera do opowiedzenia historii sztuki teatralnej. Najczęstszą konwencją teatralną jest to, że bohaterowie rozmawiają ze sobą i udają, że nie zauważają publiczności.

Często nazywana czwartą konwencją ściany lub czwartego ekranu, symulowane jest istnienie (niewidzialnego) podziału między aktorami a publicznością.

Geneza i historyczna ewolucja teatru

Kiedy teatr się rozpoczął, jest to tajemnica. Prehistoryczni łowcy reprezentowali opowieści o swoich wyprawach myśliwskich. Starożytni Egipcjanie wykonywali święte pieśni i tańczyli dla swoich bogów podczas ceremonii religijnych. Ale idea teatru jako dramatycznej rozrywki przyszła później.

Wiadomo, że angielskie słowa tragedii i komedii pochodzą z języka starożytnych Greków. Chociaż Grecy nie byli pierwszymi, którzy wykonywali sztuki, byli bardzo zainteresowani początkami tragedii i komedii.

W swoich pismach filozof Arystoteles i inni greccy pisarze proponowali teorie i tworzyli hipotezy na temat rozwoju formy sztuki teatralnej.

Prace greckie były wykonywane w teatrach na świeżym powietrzu. Początkowo teatry znajdowały się na terenach otwartych położonych w centrum miasta lub obok wzgórz. Publiczność była gotowa słuchać i oglądać chór śpiewający o przygodach boga lub bohatera.

Pod koniec VI wieku. C. struktury teatralne stały się bardziej skomplikowane. W miarę jak teatr stawał się coraz bardziej popularny i konkurencyjny między miastami, teatry stawały się coraz większe dzięki strukturom zdolnym pomieścić do 15 000 osób naraz.

Teatr istnieje, ponieważ ludzie spotkali się po raz pierwszy, aby usłyszeć, jak ktoś inny opowiada historię. Przyjaciele i rodzina dzielili się obowiązkami publiczności i tłumacza, wymieniając role tak długo, jak ktoś miał historię do podzielenia się.

Współczesny teatr może być bardziej formalny, z aktorami przeszkolonymi do odtwarzania historii i wyrafinowanych widzów, którzy reagują na inscenizację, ale pomysł dzielenia się energią między obsadą i publicznością pozostaje niezmienny.