Oswaldo Guayasamín: biografia i prace
Oswaldo Guayasamín (1919-1999) jest jednym z najważniejszych artystów Ameryki Łacińskiej, którego prace były eksponowane w najwybitniejszych salach świata. Jego sztuka ma głębokie poczucie indigenizmu z ideologiczną i obrazową postawą charakterystyczną dla kontynentu amerykańskiego: realizm społeczny.
Urodzony w Quito i szkolony pod tradycyjnymi kanonami sztuki, Guayasamin zerwał z tymi schematami, aby uchwycić rzeczywistość rdzennych ludów Ameryki Łacińskiej, którzy cierpieli ucisk, a także spustoszenia Kolonii i niegodziwości.
W stylu ekspresjonistycznym kreacje tego ekwadorskiego artysty były karmione przez meksykańskich muralistów w kategoriach ekspresywności, użycia koloru i siły, którą przekazują, by pozostawić obserwatora z poczuciem energii życiowej autora iw ten sposób powiadomić o swoim proteście.
Oprócz tej esencjalistycznej istoty, jego twórczość charakteryzuje się także przywłaszczaniem tendencji awangardowych, takich jak kubizm i ekspresjonizm, bez utraty realizmu pokazywania rzeczywistości przemocy, którą potępił.
Robił imponujące wystawy - ponad 200 osób - w najważniejszych muzeach na świecie, takich jak Francja, Hiszpania, były Związek Radziecki, Czechosłowacja, Polska, Meksyk, Chile i Argentyna.
Guayasamín znany jest również z tego, że zaprzyjaźnił się ze światowej klasy postaciami, takimi jak poeta Pablo Neruda, Fidel Castro, Gabriela Mistral, król Juan Carlos z Hiszpanii, Gabriel García Márquez i Carolina de Mónaco, między innymi których przedstawił.
W 1991 r. Rząd Ekwadoru uznał płodną pracę artysty i jego wkład w światową sztukę, postanowił więc stworzyć Fundację Guayasamín, na którą malarz przekazał całe swoje dzieło i zbiory sztuki.
Biografia
Oswaldo Guayasamin urodził się w Quito 6 lipca 1919 r. I był najstarszym bratem dziesięcioosobowej rodziny. Jego ojciec, José Miguel Guayasamin, był rdzennym plemieniem Quechua; podczas gdy jego matka, która odpowiedziała na imię Dolores Calero, była metyskiem.
Od najmłodszych lat pokazywał swoje zamiłowanie do malarstwa, tworząc rysunki swoich kolegów z klasy i robiąc plakaty sklepu, który prowadziła jego matka. Ponadto malował obrazy na kawałkach kartonu, które sprzedawał turystom, aby zapłacić za studia.
Pomimo zdecydowanego sprzeciwu ojca młody Guayasamín zapisał się do Szkoły Sztuk Pięknych w Ekwadorze, którą ukończył jako malarz i rzeźbiarz w 1941 r., Otrzymując również uznanie za najlepszego studenta swojej promocji.
Zaledwie rok po ukończeniu studiów udało mu się zrobić pierwszą wystawę w stolicy Ekwadoru. Pokaz ten był naznaczony charakterem denuncjacji społecznej, powodem, dla którego spowodował wielkie zamieszanie między asystentami i krytykiem tamtych czasów.
W tym szczególnym stylu młody Guayasamin zdołał ująć Nelsona Rockefellera, który kupił mu kilka obrazów i wspierał go w przyszłości.
Umiędzynarodowienie
Po tej kontrowersyjnej wystawie i przy wsparciu Rockefellera Guayasamin przeniósł się do Stanów Zjednoczonych, gdzie wystawił swoje obrazy. Podczas 7 miesięcy pobytu odwiedził wszystkie muzea, które mógł nawiązać bezpośredni kontakt z twórczością El Greco, Goyi, Velásqueza i meksykańskich muralistów Diego Rivera i Orozco.
Dzięki pieniądzom, które udało mu się sprawić, że udał się do Meksyku, aby spotkać wspaniałego nauczyciela, muralista Orozco, którego wzruszył jego talent, pozwolił mu zostać jego asystentem. Podczas tej wizyty poznał także Diego Rivera i oboje nauczyli się techniki malowania freskami. W Meksyku zaprzyjaźnił się z Pablo Nerudą.
W 1945 r. Odbył ważną podróż: z Meksyku do Patagonii. Podczas tej podróży zwiedził każde miasto i każde miasto, aby zrobić notatki i rysunki z jego pierwszej serii 103 obrazów zwanych Huacayñan, co w Keczua oznacza „Ścieżkę łez”, której tematem jest czarny, indyjski i metyski,
W ten sposób cała jego praca zaczęła się obracać wokół tematu indigenistycznego, o ucisku i przemocy, której ofiarami byli rdzenni mieszkańcy.
Monumentalne dzieło Ścieżka łez powstała dzięki wsparciu Domu Kultury Guayasamín.
Ta seria była wystawiana po raz pierwszy w Quito w 1952 roku w Museum of Colonial Art, aw tym samym roku w Waszyngtonie i Barcelonie (Hiszpania) podczas III Biennale Sztuki Hispano-America. W tym ostatnim wydarzeniu otrzymał główną nagrodę za malarstwo.
Obecność w dużych budynkach
Oprócz monumentalnych wystaw w głównych muzeach świata, prace Guayasamína są również obecne w dużych budynkach.
Na przykład mural weneckiego szkła mozaikowego znajduje się w Centrum Simón Bolívar w Caracas od 1954 roku, który jest znany jako Tribute to American Man .
W swoim ojczystym kraju zrobił dwa imponujące malowidła ścienne w 1958 roku. Pierwszym z nich jest Odkrycie Amazonki, również wykonane w mozaice weneckiej, która znajduje się w Pałacu Rządowym w Quito. Drugi powstał dla Law School w Central University of Ecuador, która nazywa się History of Man and Culture .
W 1982 r. Na lotnisku Barajas w Madrycie zainaugurowano mural o powierzchni ponad 120 metrów, który Guayasamín namalował pyłem marmurowym i akrylem. To monumentalne dzieło składa się z dwóch części: jedna poświęcona jest Hiszpanii, a druga Ameryce.
Jego praca jest również obecna w siedzibie Unesco w Paryżu i Sao Paulo. Ekwador upiększa także jego zabytki: Młoda ojczyzna znajduje się w Guayaquil, a opór w Quito.
Główne wyróżnienia i śmierć
Dzięki jego płodnej pracy, charakterowi społecznego potępienia i uniwersalnej transcendencji, Guayasamin otrzymał wiele nagród i wyróżnień w swojej karierze.
Jego prace zostały docenione na całym świecie, w wyniku czego w 1957 roku otrzymał nagrodę Best Painter Award w Ameryce Południowej, która została nagrodzona Biennale w Sao Paulo w Brazylii. Oznaczało to konsolidację jej internacjonalizacji.
W 1976 r. Założył Fundację Guayasamín wraz ze swoimi dziećmi, aby przekazać swoje artystyczne dziedzictwo Ekwadorowi. Dzięki tej fundacji był w stanie zorganizować trzy muzea: sztukę prekolumbijską, sztukę kolońską i sztukę współczesną.
Został mianowany członkiem Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w San Fernando w Hiszpanii i honorowym członkiem Akademii Sztuk Pięknych we Włoszech. Został również mianowany wiceprezesem, a następnie prezydentem Domu Kultury Quito w 1973 roku.
Ponadto był pierwszym artystą latynoamerykańskim, który otrzymał odznaczenie od rządu Francji; stało się to w 1974 roku.
Zmarł 10 marca 1999 r. Bez ukończenia największego dzieła La capilla del hombre, które artysta wymyślił jako hołd dla ludzkości, zwłaszcza dla mieszkańców Ameryki Łacińskiej. Jest to muzeum sztuki zbudowane w Quito, którego celem jest połączenie sztuki latynoamerykańskiej z Meksyku do Patagonii.
Działa
Produkcja Guayasamína jest naznaczona od początków głębokim indigenistycznym duchem i jest pełna wysokiej treści społecznego potępienia. W ten sposób był w stanie przekroczyć granice tradycyjnych kanonów i stać się jednym z najzagorzalszych obrońców rdzennych ludów Ameryki Łacińskiej.
Aby rozwinąć swój osobisty styl, pił z wpływów meksykańskich muralistów, w szczególności jego mistrza Orozco. Był także gorącym eksponentem ekspresjonizmu, który nadał całemu dziełu humanistyczny krój, odzwierciedlający ból i cierpienie odczuwane przez dużą część ludzkości.
W ten sposób dzieło Guayasamína wpisane jest w ten nurt ekspresjonizmu, w którym rzeczywistość ekspresyjna ma największe znaczenie bez zajmowania się zewnętrzną rzeczywistością, ale raczej z emocjami, które budzi w obserwatorze.
W tym celu malarz potwierdził, że „moje malarstwo ma ranić, drapać i uderzać w serca ludzi. Pokazać, co człowiek robi przeciwko człowiekowi. Jest to szczególnie widoczne w ich zniekształconych i smutnych twarzach, które z siłą przekazują ból swoich ludzi.
W tym sensie jego praca koncentruje się na postaci ludzkiej, z żywymi kolorami i tematami społecznymi.
Mimo dostosowywania swojej pracy do doświadczeń i technik pozostawionych przez pędzla wielkich artystów tamtych czasów, zawsze utrzymywał w swoim płótnie wyraz ludzkich uczuć. To całe jego dzieło możesz rozróżnić trzy wieki, które są następujące:
Ścieżka płaczu
Fundacji Guayasamin udało się zebrać niektóre z pierwszych dzieł artysty, które zaczął malować i rysować w wieku 7 lat. Kiedy w wieku 12 lat wstąpił do School of Fine Arts, zachwycił nauczycieli i kolegów z klasy swoją wirtuozerią. W tym wieku zaczął pracować nad kwestią społeczną, która następnie oznaczała jego całą karierę.
To, co jest uważane za jego pierwszy etap, nazywa się jego pierwszą serią: Ścieżka płaczu.
Ten etap odbywa się między 1945 a 1952 rokiem i koncentruje się głównie na podróży z przyjaciółmi w Ameryce Południowej, gdzie zatrzymał się, aby odwiedzić każde miasto, aby zrozumieć jego rzeczywistość.
Dzięki notatkom i rysunkom, które wykonał podczas podróży, pozostawił światu Huacayñan, czyli El camino del llanto, swoją pierwszą serię 103 obrazów, w których przedstawia problem Indian, Murzynów i Metysów poprzez uniwersalne archetypy pojawiające się na scenie z symbolami przodków, takimi jak księżyc, słońce i góry.
Z całą swą uniwersalną symboliczną szarżą ta seria dała mu miejsce w sztuce światowej.
Wiek gniewu
Na tym etapie, który rozwinął w latach 60. XX wieku, Guayasamin wykazał, że treść estetyczna nie jest tym, co jest ważne w jego pracy, ale treściami społecznymi, przesłaniem człowieka przeciwko uciskowi, przemocy i cierpieniu.
Pochodzenie tej denuncji sięga czasów, gdy w młodości przyjaciel z dzieciństwa został zabity przez represje w Quito. Stąd artysta rozpoczął krucjatę, aby ukazać przemoc człowieka wobec człowieka, by zostawić przesłanie buntu i walczyć z alienacją.
Ten bunt jest widoczny w oczach jego postaci, które wołają o zmianę. Jego postacie mają grymas bólu pomimo spokoju, który pokazują, ich ręce płaczą z nadziei. Wszystko to odbija się w ogromnych pionowych uderzeniach, aby zaznaczyć więcej bólu.
Dzięki tej pracy Guayasamín wstrząsnął światem, podkreślając całe okrucieństwo człowieka w XX wieku. Z tego powodu udało mu się wystawić w głównych zachodnich miastach świata, wywołując poruszenie zarówno krytyki, jak i społeczności.
Z czułości
Cykl ten rozpoczął się w latach osiemdziesiątych jako hołd dla jego matki, transcendentalnej postaci w jego życiu, której zadeklarował swoją miłość i wdzięczność za to, że zawsze go wspierał.
Ta seria oznacza zmianę w pracy artysty bez tego znaczenia, że postacie, teraz bardziej pogodne niż wcześniej, straciły do pewnego stopnia przesłanie o potępieniu i krytyce.
Wiek czułości, lub tak długo jak żyję, zawsze o tobie pamiętam, składa się ze 100 dzieł, których centrum jest hołdem dla matki; w rzeczywistości odnosi się ogólnie do postaci matki, w tym Matki Ziemi.
Ten zestaw jest również uważany za piosenkę o prawach człowieka. To ostatnia praca, która go zajęła, od 1988 do 1999 roku.
Ze względu na swój szczególny styl estetyczny, ale przede wszystkim ze względu na temat skupiający się na pozostawieniu przesłania buntu i potępienia ludzkości, dzięki swej sztuce Guayasamín zdołał przekroczyć granice swojego rodzinnego Ekwadoru i zająć honorowe miejsce w sztuce uniwersalnej.
Stało się tak dzięki temu, że jego twórczość ma szczególną ekspresję w czasie, w którym musiał żyć, aby przekazać przesłanie, które obudzi sumienie ludzkości i zdoła wygenerować okrzyk buntu.
