Barok: historia, cechy charakterystyczne i sztuka (architektura, malarstwo, rzeźba ...)

Barok był ruchem artystycznym i myślowym XVII wieku, który symbolizował silną zmianę w formach ludzkiej wiedzy. Implikowało to dystansowanie idei renesansowych i powrót do niuansów religijnych średniowiecza; Zrobił to z własnej perspektywy, ponieważ dodał elementy, które przewidywały nadejście nowoczesności.

Zrozumienie baroku jako episteme całej epoki było skomplikowane dla badaczy i historyków, ponieważ w całej historii ta koncepcja była pełna nieścisłości i nieporozumień. Jednak literatura o baroku rośnie z biegiem lat, co pozwala na wyeliminowanie starych dwuznacznych podejść.

Ruch barokowy był tak ogromny, że rozszerzył swoje dziedziny poza sztukę plastyczną, ponieważ jego nakazy i ideały można znaleźć w dziedzinie literackiej i muzycznej; na przykład niektórzy uważają, że Tasso był poetą barokowym i potwierdzono, że Bach jest najbardziej reprezentatywną i wpływową postacią muzyki barokowej.

Podobnie, jednym z aspektów charakteryzujących barok jako ruch artystyczny było to, że był to wynik i wyraz głębokiego kryzysu duchowego i moralnego, który został rozpętany z powodu rozkładu wartości renesansowych.

To znaczy, że już w XVII wieku światopogląd człowieka renesansowego nieodwracalnie się rozprzestrzenił, więc barok oznaczał poszukiwanie ponownego odnalezienia tej syntezy i światopoglądu utraconego wcześniej, ale przez przesadną i głęboką religijną żarliwość ta lewica dostrzega egzystencjalną pustkę całej epoki.

Pomimo zerwania z ideałami renesansu i braku całości, barok był formą specjalnej wiedzy, o ile pozwalał na wprowadzenie cudownej nowości; ruch ten symbolizował wzrost, propagację szeregu sił artystycznych, które uprawiały obfitość, nadmierne i nadzwyczajne.

Znaczenie baroku było na tyle duże, że w naszych czasach wciąż istnieją poeci, malarze i inni artyści, którzy próbują skopiować i uchwycić ten styl, który całkowicie zaznaczył nie tylko pewien czas, ale kilka pokoleń należących do późniejszych okresów, które szukały manifestacji bardzo różne artystyczne

Pochodzenie i historia

Etymologia

Na etymologii słowa „barok” pojawiły się niezliczone teorie: niektórzy twierdzą, że pochodzi ono od nazwiska malarza Federico Barocci , ale także broni hipotezy, że definicja ta pochodzi od słowa barocchio, które w języku włoskim odnosi się do oszustwa i lichwa.

Jedną z najczęstszych hipotez było stwierdzenie, że „barok” pochodzi od słowa baroco, które było używane w logice scholastycznej do określenia sylogizmu, którego główna przesłanka jest twierdząca i uniwersalna, podczas gdy małoletnia jest szczególna i negatywna.

Oznacza to, że w ramach tej hipotezy słowo baroco „odnosi się do uniwersalnego i dobrego (nasyconego silnym niuansem religijnym). Tej perspektywy bronili znani uczeni, tacy jak Carlo Calcaterra i Benedetto Croce.

Podobnie słowo baroco nabyło pejoratywnego określenia ukształtowanego przez sektory humanistyczne należące do renesansu, którzy gardzili logiką scholastyczną, argumentując, że ich racjonalność jest absurdalna i śmieszna. Dlatego argument w baroco oznaczał fałszywy lub kręty pomysł.

Później to wyrażenie zostało przeniesione do świata sztuki, aby wyznaczyć nowy styl, który dla oczu konwencjonalnych humanistów był śmieszny i fałszywy.

Nieregularna perła

Poprzednia hipoteza - choć dobrze broniona i argumentowana - mogła być stosowana tylko w niektórych częściach Włoch, ponieważ nie pasowała do innych regionów europejskich, takich jak Francja, Hiszpania i Portugalia; stąd odkryto, że termin „barok” pochodzi od portugalskiego, a nie portugalskiego, języka, w którym został użyty do określenia perły o nieregularnym kształcie.

Uważa się, że „barok” pochodzi z łacińskiego verruca, terminu używanego do określenia małej wysokości ziemi. Kojarzyło się też z kamieniami szlachetnymi. Podobnie wiadomo, że podczas ekspansji morskiej Portugalczycy poświęcili się handlowi perłami na całym Oceanie Indyjskim.

Podczas wydobywania pereł w pobliżu Barokii, w mieście Guzarate, Portugalczycy zdali sobie sprawę, że istnieje mnóstwo okazów o nieregularnych kształtach; w konsekwencji do tych pereł pochodzących z tego miejsca ukuty został pejoratywny termin.

W ten sposób termin „barok”, istniejący już w języku portugalskim, został użyty do określenia tych nieregularnych i nieczystych pereł.

Wprowadzenie terminu w sztuce

W połowie XVIII wieku określenie „barok” zaczęło być używane przez wielkich myślicieli Oświecenia.

Na przykład Rousseau wprowadził ten termin do swojej Lettre sur la musique francaise, gdzie zakwalifikował włoską muzykę pod tą nazwą. Ze swojej strony Charles de Brosses użył terminu „barok”, aby oznaczyć niektóre przedmioty ze złota i srebra, takie jak pudełka lub skrzynie.

W momencie przeniesienia terminu na architekturę, był on używany w odniesieniu do tych form, które były ekstrawaganckie i śmieszne. Dlatego architektura barokowa była uważana za sztukę pozbawioną wartości, potępianą przez jej oddzielenie od klasycznego ideału regularności i równowagi.

Ta definicja, choć pełna silnie uwłaczającego charakteru, pozwoliła otworzyć drogę do pojęcia „baroku”, odnosząc się do całego stylu artystycznego, który rozwinął się głównie w XVII wieku.

Od XIX wieku barok został uratowany ze względu na swoje niezrozumiałe piękno i znaczenie, jakie miało to znaczenie dla różnych okresów sztuki zachodniej.

Charakterystyka baroku

W 1915 roku urodzony w Szwajcarii krytyk sztuki Enrique Wölfflin opublikował tekst znany jako Fundamental Principles of History of Art, który ma zasadnicze znaczenie dla zrozumienia baroku jako ruchu artystycznego i filozoficznego.

W tej pracy Wölfflin twierdził, że barok narodził się jako styl rozwinięty z klasycyzmu renesansu; niemniej jednak oddalił się od tego, by podążać za własnym prądem. W ten sposób, po przemianach między jednym ruchem artystycznym a drugim, można ustalić następujące cechy:

Zmień z liniowego na obrazkowy

W czasach renesansu w Sztuk Pięknych panował charakter liniowy, który wyznaczał żywiołową formę dla obiektów w płaszczyźnie obrazowej jako rzeźbiarskiej lub architektonicznej. Dało to ten ruch stylistyczny dotykową jakość w obrębie konturów i płaszczyzn

Wręcz przeciwnie, barok charakteryzował się lekceważeniem linii jako elementu ograniczającego obiekty.

W konsekwencji ruch ten doprowadził do pomieszania rzeczy; widz musi zrezygnować z doświadczenia dotykowego, ponieważ styl ten odwołuje się do wartości koloru w stosunku do innych aspektów.

Od wizji powierzchni do wizji głębi

W okresie renesansu, zgodnie z wartością przyznaną linii, dostępne były elementy kompozycji nałożonej na powierzchnię. W sztuce baroku, zaniedbując kontury i linię, pogardzano także powierzchnią.

Oznacza to, że elementy były zarządzane przez optykę głębi. Z tego powodu powszechne jest obserwowanie (w płaszczyźnie obrazkowej) postaci ludzkich, które nie mają naturalnego tła, ponieważ wokół nich znajduje się duża ciemna masa.

Krok od formy zamkniętej do formy otwartej

W renesansie praca artystyczna zakładała doskonale zamkniętą całość. Wręcz przeciwnie, barokowi starano się „rozluźnić zasady” i oddalić się od konstruktywnych rygorów.

Ponadto barok charakteryzował się przeciwstawieniem delimitacji całości, dystansując się od rygorystycznej symetrii form: wprowadzał napięcia kompozycyjne. Ten artystyczny ruch odwołał się do niestabilności dzieła.

Krok od wielości do jedności

W renesansie każda ze stron zawierała własną wartość, koordynującą w płaszczyźnie artystycznej. W sztuce baroku jednostka była postrzegana z połączenia części w jeden motyw, całkowicie podporządkowany różnym częściom głównego elementu.

Innymi słowy, w baroku istnieje główna postać, od której zależą pozostałe obiekty.

Krok od absolutnej jasności do względnej przejrzystości obiektów

Wcześniej obiekty - podążając za ich liniowym charakterem w obrębie reprezentacji - posiadały plastyczną jakość, która dawała przejrzystość kompozycji.

W wytycznych baroku światło i kolor nie nadają definicji formom ani nie podkreślają najważniejszych elementów. Podsumowując, w baroku światło i kolor mają swoje własne życie i nie są na łasce postaci.

To przesadzona sztuka

Barokowi artyści bawili się nierównowagą i starali się zaimponować tym, którzy oglądali za pomocą zabawnych i dynamicznych form. Wyróżniają go zniekształcenia klasycznych form, kontrasty świateł i cieni.

Barok był ruchem przeciwstawiającym się sztuce renesansu i klasycyzmu. Jej przesadny charakter znajduje odzwierciedlenie w architekturze, która miała nadmiar ozdób. Na przykład bazylika św. Piotra w Rzymie zaprojektowana przez Giana Lorenzo Berniniego.

Sztuka typu synkretycznego

Barokowe ekspresje kulturowe były synkretyczne w tym sensie, że każde artystyczne wyrażenie było powiązane z innymi.

Architektura była ściśle związana z malarstwem i rzeźbą. Także muzyka, taniec i teatr, których zbieżność stworzyła operę. W innych epokach cechy każdego rodzaju sztuki były od siebie bardziej niezależne.

Koniec propagandy

Absolutyzm, Kościół i burżuazja wykorzystywały sztukę barokową do promowania swoich idei. W odpowiedzi barokowi artyści zostali podzieleni na tych, którzy pracowali dla kościoła lub dla monarchy i tych, którzy chcieli być niezależni.

W konsekwencji tematy traktowane przez każdego artystę były inne. Kościół ze swej strony chciał promować swoją doktrynę i wykazać, że reforma przeciwna przyniosła owoce i że Kościół katolicki nie został pokonany.

W tej linii monarchowie chcieli wykazać, że ich moc jest absolutna. Dzięki nim powstał obraz, zwłaszcza gatunek portretu.

Wreszcie byli niezależni artyści, którzy mieszkali głównie w Holandii i Niemczech. Jego prace pokazywały dzień z dnia burżuazji. Na przykład prace Johannesa Vermeera jako Dziewczyna czytająca list lub Dziewczyna z perłą .

Dzięki „polityce kulturalnej” tych grup władzy epoka baroku cieszyła się boomem kościelnym, monarchicznym i arystokratycznym. Sztuka stała się popularna i powstało wiele szkół artystycznych, takich jak Académie Royale d'Art w Paryżu w 1648 r. I Akademie der Künste w Berlinie w 1696 r.

Tenebrism

Jest to kontrast świateł i cieni dzięki oświetleniu. Chociaż koncepcja ta jest stosowana głównie w malarstwie barokowym, można powiedzieć, że na tę grę z oświetleniem wpłynął teatr barokowy, rzeźba i inne gatunki wizualnej reprezentacji.

Trudności sześciu wskazań Wölfflina

Chociaż cechy Wölfflina uważa się za obowiązkowe dla zrozumienia przejścia od jednego ruchu artystycznego do drugiego, niektórzy krytycy uważają, że autor ten miał kilka błędów w swoich wypowiedziach, ponieważ nie rozważał czynników kulturowych, duchowych i socjologicznych, które miały wpływ na zmianę epistemologiczną,

Ponadto Wölfflin nie wziął pod uwagę, że między renesansem a barokiem istniał inny ruch, obecnie znany jako manieryzm; jako okres przejściowy ma wiele cech najbardziej prymitywnego baroku.

Barok był tak ważny w kontekście historycznym, że rozprzestrzenił się nie tylko na sztukę, ale także przeniknął inne dyscypliny, takie jak filozofia, psychologia, polityka, a nawet fizyka i matematyka.

Oswald Spengler był odpowiedzialny za rozszerzenie tej koncepcji, ponieważ w swoim słynnym dziele Dekadencja Zachodu podniosła istnienie epoki baroku.

Począwszy od 1915 r. Uczeni sztuki zaczęli kwestionować pogląd, że barok może być stałym elementem historii ludzkości i stylów artystycznych.

To założenie powstało, ponieważ chociaż barok rozwinął się w XVII wieku, jego estetyka pozostaje obecna do dnia dzisiejszego, ponieważ wielu wielkich artystów przyjęło ideały tej epoki, aby przejść do bardziej współczesnych manifestacji.

Z tego powodu w XXII wieku można znaleźć serię książek, które stosują literaturę barokową.

Podstawowe elementy do zrozumienia baroku

Biorąc pod uwagę zasady Wölfflin wraz z wcześniej przedstawionymi informacjami, możliwe jest wyodrębnienie kilku zasadniczych punktów, aby lepiej zrozumieć elementy, które tworzą barok. Są następujące:

Znaczenie religii, ekstrawagancji i groteski

Barok (zarówno stary, jak i obecny) ma szereg napięć, które pękają z klasycznymi parametrami symetrii i proporcji.

Ponadto jest skłonny do przedstawiania krwawych i okrutnych scen, które obfitują w cechy przerażające i bolesne. Dzięki temu wielu uczonych łączy barok z premantyzmem i romantyzmem.

Poprzez temat religijny barok ma tendencję do wyrażania antynomii między ciałem a duchem, światowymi przyjemnościami i niebiańskimi radościami. Ponadto jest skłonny analizować grzechy i pokutę, jak również ekstazę i błogość, które są obecne w niektórych ludziach.

Element religijny ma kluczowe znaczenie dla zrozumienia baroku; W rzeczywistości dla niektórych krytyków religia jest kanciastym elementem barokowej ekspresji.

Skłonność do ziemskich przyjemności i niekontrolowanej furii

Człowiek, jako postać w tym ruchu, pozwala się ponieść ograniczonym siłom; Barok obejmuje pasję, ruch i impuls w różnych kierunkach. Barok próbuje wznieść się w górę, szukając wiary; nie może jednak oderwać się od ziemskich apetytów.

W ramach tej artystycznej manifestacji spirytyzm i zmysłowość są stale mylone, ponieważ istnieje konwulsja między obiema pozycjami, które wywołują przesadne postacie i wysoce naładowane elementy dekoracyjne.

W sztuce barokowej wartości erotyczne i sensoryczne są bardzo ważne: świat cieszy się zmysłami, kolorami i dźwiękami, z których wszystkie skupiają się na zmysłowości i obfitości.

Rodzi to sekularyzację transcendentności, więc zawiera pytanie o przemijalność życia i rzeczy przyziemne. Stara się przypomnieć człowiekowi, że wszystko jest próżne, ulotne i przejściowe, próbując dotrzeć do rzeczywistości wolnej od niedoskonałości i kłamstw.

Sztuka baroku

-Architektura

Funkcje

Architektura barokowa charakteryzowała się przede wszystkim niezwykłym odrzuceniem prostoty; W przeciwieństwie do renesansu barok nie szukał obliczonej i ustalonej harmonii, lecz brak równowagi, ruch i przesadne. W związku z tym architekci umieścili owalne i eliptyczne rośliny pochodzące z linii geometrycznych.

Podobnie porzucili proste i płaskie powierzchnie, które zastąpili bardzo zakrzywionymi liniami i falistymi powierzchniami.

Pozwoliło to na wejście ruchu w świat artystyczny, widoczny także w dyscyplinach rzeźby i malarstwa. W architekturze pofalowano nie tylko główne piętro, ale także wszystkie fasady i wnętrza.

Ruch, światło i cień, efekt teatralny

Idea ruchu została również wzmocniona przez inne elementy, takie jak podzielone frontony, kolumny salomonowe i owal. Światło miało również fundamentalne znaczenie w architekturze barokowej, ponieważ pozwalało na tworzenie efektów światłocienia i ruchu, co widać również na obrazie.

Aby bawić się światłem, architekt wykonał nieciągłe powierzchnie, które miały głębokie wejścia oświetlone słońcem, podczas gdy druga strona pozostała w cieniu, sprzyjając efektowi światłocienia i kontrastu.

Z kolei architektura barokowa wzbogaciła i skomplikowała każdy tradycyjny element, np. Łuki i gzymsy. Celem było uzyskanie efektu teatralnego i spektakularnego, aby element dekoracyjny zamaskował prawdziwą strukturę budynku.

Polecane prace

Kościół II Gesu w Rzymie

Z tym kościołem wyłania się jeden z pierwszych przykładów architektury barokowej, która symbolizuje koniec renesansu i początek baroku. Niektóre cechy fasady tego budynku zostały powtórzone przez inne miejsca, takie jak Hiszpania, a nawet Ameryka Łacińska; z tego powodu jest to jeden z najważniejszych budynków.

W tym początkowym okresie nadal jest to wypoczęty barok, więc nie ma nadmiernej gry krzywych i przeciwbieżnych. Jednak Il Gesú ma kilka wejść i punktów na swojej fasadzie, które zapowiadają kolejny etap tego ruchu.

Bazylika San Pedro: dzieło Gianlorenzo Berniniego

Bazylika San Pedro, zapoczątkowana przez Michała Anioła, ma kilka renesansowych cech, jak widać w jej bazylice. Jednak Gianlorenzo Bernini został wynajęty do ukończenia dekoracji tego budynku.

Ze szczegółów Berniniego najczęściej spotykany jest baldachim znajdujący się wewnątrz tej bazyliki, który jest dokładnym przykładem elementów baroku: składa się on z dużej ilości złota, ruchu i horror vacui, ponieważ nie ma ani jednej przestrzeni Obiektowi brakuje ozdób i szczegółów.

Baldachin ma szereg ukośnych kształtów i cztery kolumny Salomona, co daje wrażenie ruchu i ekstrawagancji. Geometryczne kształty i naturalne elementy są również częścią tej kompozycji architektonicznej.

-Pintura

Funkcje

Jeśli chodzi o malarstwo barokowe, zachowuje takie same cechy architektury i rzeźby, jak światłocień, brak równowagi, ruch, zapał religijny, zmysłowość i skomplikowane schematy.

Malarstwo barokowe odwołuje się do naturalizmu, aby rzeczy były reprezentowane przez artystę jako docenione, czy to piękne, brzydkie, przyjemne czy nieprzyjemne.

Na przykład można znaleźć sceny z pięknymi Magdalenami (takimi jak Magdalena Penitente, Murillo), ale można również zobaczyć groteskowe portrety (takie jak lekcja anatomii Rembrandta).

Barokowe malarstwo wyróżniało się także obfitą reprezentacją pejzaży, martwych natur i martwych natur, gdzie kolor dominuje nad jakimkolwiek innym elementem. Ponadto barokowi artyści stawiają i stawiają na wspaniałość, ponieważ to duże płótna mogą mierzyć do trzech metrów szerokości.

Jednak głównym bohaterem barokowych obrazów jest światło. W renesansie światło było podporządkowane formom, podkreślając jego zarys; w baroku forma jest podporządkowana światłu. To dało początek jednemu z najbardziej uderzających prądów baroku, podobnie jak tenebrizm.

Polecane prace

Tenebrizm Caravaggia

Tenebrismo stanowiło całą pierwszą fazę barokowego obrazu i składało się z gwałtownego kontrastu odcieni i świateł. Pionierem tej techniki był Caravaggio, który był współczesny w El Greco, chociaż ich style były bardzo różne.

Jedno z jego najważniejszych dzieł, w którym można dostrzec tenebrizm w jego najczystszym wyrazie, nazywa się Ukrzyżowaniem San Pedro . W tym obrazie światło chwyta nagi tors św. Piotra, który ma zostać ukrzyżowany do góry nogami.

Tło obrazu nie jest ograniczone, ponieważ duża czarna masa przejmuje ostatni samolot. Liczby najdalsze od San Pedro są ciemniejsze, a te bliższe noszą jaśniejsze kolory i otrzymują większe oświetlenie.

Rembrandt jako maksymalny przedstawiciel holenderskiego malarstwa barokowego

W początkowej fazie Rembrandt wyróżniał się przede wszystkim chiaroscuros i kolorowymi obrazami, ponieważ był pod wpływem stylu caravaggista.

Jego kompozycje są bardzo poruszające; jednak, w przeciwieństwie do obrazów Caravaggia, jego pociągnięcia pędzla są miękkie, a postacie są rozrzedzone w atmosferze, co zachęca do rozwoju fantastycznych i tajemniczych scen.

Można to zaobserwować w znany sposób w słynnym obrazie „Nocny zegarek”, w którym światło spoczywa głównie na dwóch postaciach, które noszą żółte; Pozostałe osoby, które tworzą zdjęcie, używają ciemnych ubrań o czerwonawych barwach.

Najbardziej uderzającą postacią jest mała dziewczynka, która z powodu silnego oświetlenia, które otrzymuje, wydaje się anielską istotą. Jego twarz, czysta i piękna, jest rozcieńczona pomiędzy tak dużą jasnością.

Ze swej strony postać centralna otrzymuje silne kontrasty obrazkowe ze względu na całkowicie czarne ubranie, które podkreśla czerwoną opaskę na piersi.

Velázquez: jeden z najważniejszych malarzy wszech czasów

Dla wielu krytyków Velázquez jest prawdopodobnie najważniejszym malarzem w historii sztuki. To uznanie wynika z faktu, że ten hiszpański malarz ustanowił nowy sposób doceniania malarstwa dzięki swojej grze luster i jego obrazowemu oszustwu.

Chociaż jego twórczość jest bardzo szorstka i bardzo znana, jego najsłynniejszym obrazem jest Las Meninas (którego pierwotna nazwa to The Family of Felipe IV). W tej pracy możesz zobaczyć, jak autor pracował nad dojrzałą perspektywą, która opierała się na światłocieniu i kontrastach.

Na obrazie znajdują się dwa wejścia światła: jedno, które przykrywa małą księżniczkę Margaritę i jej meninas, i drugie, które pokazuje przez tylne drzwi, gdzie pojawia się prawdziwa osoba.

Ten obraz przekroczył granice chronologiczne, ponieważ Velázquez zrobił coś, czego żaden inny malarz nigdy wcześniej nie zrobił: malował siebie wykonując pracę artysty.

Miało to kluczowe znaczenie dla świata malarstwa, ponieważ dawało malarzom autonomię. Ponadto autor wydaje się wyglądać na samozadowolonego widza, jakby insynuował swoją nieśmiertelność nagraną w akcie twórczym.

- Rzeźba

Funkcje

Rzeźba barokowa charakteryzowała się głównie silnym pragnieniem ruchu, które objawiło się w sposób obsesyjny; według niektórych znawców stało się to w sposób bardziej znany niż w architekturze.

To poszukiwanie ekspresji spowodowało w konsekwencji, że rzeźba podniosła schematy kompozycyjne swobodnego charakteru, które nie odtwarzały prostych kompozycji, ale aspirowały do ​​scenografii, teatru i pompatyczności.

W baroku postacie ludzkie były rzeźbione podczas wykonywania ruchomych scen, szczególnie podczas najbardziej niestabilnego epizodu akcji, w którym widać największą nierównowagę.

Podobnie barokowe rzeźby są oprawione w kontekst architektoniczny; Oznacza to, że obrazy mogą znajdować się na ołtarzu, w ogrodzie, w grobowcach lub niszach. Powoduje to wrażenie, że rzeźby rozciągają się na ich otoczenie i nie tylko mają znaczenie w miejscu, które zajmują.

W ramach religijnych motywy rzeźby barokowej są wywyższeniem wiary i cudów, choć można również zobaczyć tematy mitologiczne, a nawet królewskie popiersia. Cechy te łączy ich naturalizm.

Polecane prace

Bernini nie tylko wyróżniał się jako architekt, ale także jako rzeźbiarz. Od niego mamy dwie prace szczególnie ważne dla baroku: zachwyt Prozerpiny i Dawida.

W pierwszym przypadku autor postanowił przedstawić mitologiczną historię, w której Proserpina - znana również jako Persefona - zostaje porwana przez Hadesa, boga podziemi.

W tej pracy możesz zobaczyć ruch przez porwaną boginię, ponieważ jej włosy wydają się rozciągać w powietrzu; Jest to również obserwowane w mniejszym stopniu w włosach Hadesa.

Scena przedstawia dokładny moment uniesienia, więc ciała obu postaci są napięte. Proserpina kieruje głowę na przeciwną stronę Hadesu, ponieważ próbuje uciec, ale trzyma ją mocno za udo.

Detal dłoni Hadesa napinający skórę Prozerpiny uważany jest za jeden z najpiękniejszych obrazów w historii sztuki.

Z drugiej strony, Dawid Berniniego różni się od swego poprzednika ( Dawida Michała Anioła) tym, że ten Dawid został wyrzeźbiony podczas rzucania skałą, więc rzeźba stara się dać widzowi nie tylko sensację ruchu, ale także napięcia; postać odzwierciedla koncentrację i zręczność twarzy.

-Literatura

Funkcje

Literatura barokowa zachowała cechy innych dyscyplin artystycznych, głównie ozdobny charakter pracy artystycznej. Jest to wystawny styl, który był głównie poświęcony nagraniu przemijania ludzkiego życia, snu, kłamstwa i walki. Skupił się także na mitologicznych opowieściach.

Jeśli chodzi o charakter kompozycyjny, literatura barokowa wykorzystywała nadmierną hiperbatonę, elipsę, przymiotnik, antytezę i metaforę, co utrudniało czytanie wielokrotnie.

W hiszpańskim baroku literatura ta zbiegła się z rozwojem znanego Złotego Wieku, więc zdominowali tematy religijne, miłosne i honorowe. W poezji literatura barokowa kontynuowana była przy użyciu sonetu Renaissance, ale dodawała zmysłowości typowej dla tego ruchu.

W tym okresie ukazała się uznana powieść Dona Kichota Miguela de Cervantesa. Na Półwyspie Iberyjskim istniały również bardzo udane podgatunki, takie jak powieści piknikowe. Ponadto w teatrze pojawił się inny ważny pisarz: Pedro Calderón de la Barca.

Polecane prace

Jeśli chodzi o najbardziej znanych autorów, warto zwrócić uwagę na poetów Luis de Góngora i Francisco de Quevedo. Pierwszy napisał długi romans zatytułowany Fábula de Píramo y Tisbe, który został skatalogowany przez krytyków jako bardzo złożony wiersz, który wymagał wiele racjonalnego i twórczego wysiłku.

Podobnie Francisco de Quevedo napisał 875 wierszy, które były dopracowane przez różne podgatunki; niektórzy byli satyryczno-groteskowymi, inni miłosiernym i moralnym sądem.

Miał też kilka wersetów religijnych i pogrzebowych. Jednym z jego najbardziej znanych wierszy jest tak zwana stała miłość poza śmiercią.

Najbardziej znanym dziełem Pedro Calderón de la Barca była La vida es sueño i jest ceniona za poetyckie piękno i doskonałą muzykalność. W tym tekście autor bawił się istotą snów i bliskim związkiem, jaki utrzymują z przemijaniem życia i ziemskimi przyjemnościami.

W angielskim baroku wyróżniał się William Shakespeare.

- Muzyka barokowa

Niektóre z cech muzyki barokowej to:

1. Kontrast Podobnie jak w innych ówczesnych formach artystycznych, muzyka barokowa wykazuje wielki kontrast między nutami każdego instrumentu a głosami śpiewaków.
2. Kontynuacja została opracowana. Na przykład ta sama nuta była grana na różnych instrumentach, takich jak klawesyn lub klawesyn i wiolonczela. W ten sposób doceniono różnicę między tymi dźwiękami. Po tej sprzeczce dźwięków następowały powolne dźwięki.
3. Opracowano muzykę notalną. Przedtem muzyka była modalna i oparta na starożytnych trybach i skalach. W baroku powstał system skal: większy i mniejszy, z akordami.
4. Tworzony jest kompas i rytm. Rozwijany jest regularny i wyraźny puls używany dzisiaj.
5. Muzyka instrumentalna staje się niezależna.
6. Muzyka bluźniercza była popularyzowana i rozwijana.
7. Rozwijane są formy wokalne: opera, oratorium, kantata, pasja.

-Barque theatre

Styl barokowy w sztukach charakteryzował się sześcioma podstawowymi zasadami, które nim rządziły:

1. Zerwał z zasadą 3 jednostek. Zgodnie z tym każda praca miała działanie główne, scenariusz i dzień (działania miały miejsce tego samego dnia).
2. Zmniejszenie liczby aktów: z pięciu do trzech.
3. Język został dostosowany, co pozwoliło klasom nieuprzywilejowanym zrozumieć teatr.
4. Wprowadzono tragikomedię.
5. Znaczenie miały postacie retoryczne w dialogach bohaterów.
6. Metryka poezji lirycznej trafia do teatru.