Sztuka abstrakcyjna: pochodzenie i historia, cechy charakterystyczne, malarstwo i inne

Sztuka abstrakcyjna jest jakimkolwiek artystycznym wyrazem, który odrywa się od jakiejkolwiek rzeczywistej reprezentacji, w celu stworzenia przestrzeni zupełnie innej niż naturalna. To poczucie abstrakcji uzyskuje się dzięki zastosowaniu różnych kształtów geometrycznych, a także punktów, linii i czystych kolorów.

Abstrakcjonizm jako prąd artystyczny znany jest również jako sztuka nie-figuratywna; Oznacza to, że ten styl nie ma żadnego kontaktu z reprezentatywną sztuką tradycyjną. Mimo to ta odległość od rzeczywistości nie oznacza jej negacji, ale raczej proponuje sprzeciw lub kontrast.

Według koneserów, aby zrozumieć sztukę abstrakcyjną, trzeba wiedzieć, jak odróżnić figurację od abstrakcji, ponieważ są one całkowicie przeciwnymi pojęciami. Z tego powodu, gdy te artystyczne pojęcia są zasymilowane, łatwo jest odróżnić pracę abstrakcyjną od pracy figuratywnej.

Abstrakcja i figuracja

Zjawisko abstrakcji przejawia się, gdy nie można skojarzyć utworzonego elementu z żadnym istniejącym elementem w rzeczywistości.

Na przykład, jeśli obraz drzewa jest pobierany i jest zamazany lub zmodyfikowany, ta gra artystyczna nie może być traktowana jako abstrakcja, ponieważ obraz wciąż zachowuje istotę oryginalnej figury; to znaczy, jest nadal figuratywny.

Z drugiej strony obrazy, które nie mają żadnego rzeczywistego odniesienia, mogą być traktowane jako abstrakcja. W dziedzinie sztuki abstrakcyjnej istnieje kilka aspektów, takich jak abstrakcja geometryczna, formalizm i abstrakcja ekspresjonistyczna. Jednak wszystkie są związane z brakiem prawdziwego referenta.

Te figury związane ze snami nie mogą być uważane za abstrakcję, ponieważ chociaż sny i koszmary mogą prowokować surrealistyczne obrazy (na przykład jednorożca), to nadal zachowują odniesienia, które można znaleźć w rzeczywistości (w przypadku jednorożca, to koń z rogiem).

Dystansowanie do świata figuratywnego

Abstrakcjonizm radykalnie zmienił świat artystyczny, ponieważ przed tym wydarzeniem sztuka pozostawała pod opieką figuracji, mimo że w XIX i XX wieku forma zaczęła się zacierać w innych ruchach, takich jak impresjonizm, postimpresjonizm i kubizm.

Od czasu, gdy człowiek malował w jaskiniach, sztuka pozostawała poszukiwaniem reprezentacji rzeczywistości.

Do XX wieku artysta nie był w stanie oddzielić się od otoczenia i kontekstu, więc sztuka abstrakcyjna pozwoliła na otwarcie episteme historycznego momentu, który dążył do wielkich zmian społecznych i estetycznej renowacji.

Abstrakcja może być związana z muzyką, ponieważ dźwięki nie mogą być symboliczne (pomimo nomenklatury muzycznej). Kolory i kształty są również abstrakcyjne, ponieważ oferują szeroki zakres możliwości, które niekoniecznie muszą mieć prawdziwego nadawcę.

Pochodzenie i historia

Sztuka abstrakcyjna wywodzi się z poprzednich ruchów, takich jak kubizm i fowizm; istnieje jednak pewien obraz, który posłużył za punkt wyjścia do oddzielenia reprezentacji obiektów rzeczywistych od wizualnego postrzegania kolorów.

Praca ta należy do malarza Jamesa McNeilla Whistlera i nosi tytuł Nocturn w czerni i złocie: spadająca rakieta. Na tym obrazie z 1874 roku można zobaczyć szereg ciemnych kolorów i trudno jest bezpośrednio znaleźć ludzkie formy lub konstrukcje architektoniczne.

Łatwo docenić pociągnięcia pędzla światła i cienia, oprócz złotych punktów, które wydają się wywoływać pokaz sztucznych ogni.

Wpływ kubizmu, ekspresjonizmu i fowizmu

Wraz z pojawieniem się dzieł Pabla Picassa i Georgesa Braque'a, dozwolone było potężne wejście do geometrycznych kształtów i płaskich kolorów. Podobnie Paul Cézanne zaryzykował swoje początki w tworzeniu alternatywnej rzeczywistości; to znaczy pracował nad rekonstrukcją figuratywną.

Z kolei artyści ekspresjonistyczni byli odpowiedzialni za wykorzystywanie - nawet w groteskowy sposób - intensywności palety kolorów i form. Jego obrazy są uważane przez krytyków za przepełnione pasjami, które przejawiały się reakcyjnie przed czasem wielkiej konsternacji społecznej.

W ten sam sposób dzieło takie jak El shito Edwarda Muncha ma fundamentalne znaczenie dla rozwoju późniejszej sztuki abstrakcyjnej lub nie figuratywnej XX wieku. Uwzględniono także obraz „ Wejście Chrystusa do Brukseli” autorstwa Jamesa Ensor.

Inni wielcy awangardowi eksperci, tacy jak Paul Gauguin, Henri Matisse i Georges Seurat, są uważani za kluczową inspirację dla tego, kto był później największym przedstawicielem abstrakcjonizmu, Wasilij Kandinsky.

Wynika to z faktu, że język surowego koloru, wraz z różnymi pociągnięciami pędzla, silnie wpłynął na uznanego pioniera.

Od Baudelaire do Mallarmé: spróbuj zdystansować odniesienie

W świecie pisania rozwijały się także różne ruchy, które miały na celu zerwanie z ustalonym i kończącym się rzeczywistym referentem. W dziedzinie liter ta separacja była nieco trudniejsza, ponieważ w ludzkim umyśle słowa zawsze będą próbowały poprzeć ich odniesienie.

Jednak ci poeci osiągnęli połączenie z wnętrzem formy poprzez akustyczny obraz słowa, odrywając się od koncepcji, do której się odnosi.

Wielki poeta nowoczesności Charles Baudelaire był odpowiedzialny za zasianie ziarna idei, że wszystkie zmysły reagują na pewne bodźce artystyczne, ponieważ są one połączone głębokim poziomem estetycznym, który znajduje się w podświadomości istoty ludzkiej.

Innymi słowy, wszystkie sztuki mają zdolność budzenia pewnych doznań w oku, w uchu iw umyśle postrzegającego, bez potrzeby odpowiadania na rzeczywistego odniesienia.

Podobnie znani francuscy poeci, tacy jak Stéphane Mallarmé, Arthur Rimbaud i Guillaume Apollinaire, szukali dystansu formy referencyjnej, aby skupić się na radości z brzmienia słów i tego, co mogą wywołać w czytelniku bez odwoływania się do koncepcja

Oznacza to, że chodzi o modyfikację mentalnej struktury czytelnika, aby pozbył się ustalonych parametrów i odważył się połączyć i stworzyć różne doznania dzięki brzmieniu sylab. Dlatego jest to abstrakcja w piśmie.

Muzyczne akwarele Claude'a Debussy'ego

Jako muzyczny przodek późniejszej sztuki abstrakcyjnej jest wielki kompozytor Claude Debussy, którego utwory muzyczne naśladują pociągnięcia pędzla impresjonistów i postimpresjonistów.

W ten sam sposób kompozytor kojarzy się również z ruchem symbolistycznym, ponieważ jego notatki stanowiła silna alegoryczna szarża, której towarzyszyły niezwykłe wpływy orientalne.

Oznacza to, że dla muzyków takich jak Debussy i Erik Satie obiekty obserwowane w życiu codziennym są tylko symbolami, które odpowiadają na znacznie głębszą rzeczywistość, która przejawia się człowiekowi poprzez dźwięk towarzyszący kolorowi i ruchowi.,

Charakterystyka sztuki abstrakcyjnej

Stara się uchwycić istotę

Choć ma różne aspekty, ruch abstrakcyjny charakteryzuje się głównie poszukiwaniem prymitywnej esencji przedmiotów.

Dlatego sztuka abstrakcyjna próbuje uchwycić w swoich artystycznych manifestacjach eksplorację świadomości i nieświadomości na jej najczystszych poziomach.

Wolność

Inną jego główną cechą jest swoboda stosowania technik i elementów oraz znaczenie tych zasobów.

Na przykład jest to wyraźnie stosowane na polu chromatycznym: kolory mają swój własny wyraz artystyczny, bez potrzeby odwoływania się do prawdziwej koncepcji.

Brak prawdziwych form

Abstrakcjonizmowi brakuje prawdziwych form; używane są tylko figury geometryczne, ponieważ jest to styl odwołujący się do totalizującej prostoty formy.

Malować

-Vasili Kandinsky

Dla wielu krytyków sztuka abstrakcyjna zaczyna się od dzieł Wasilija Kandinsky'ego; Należy jednak zauważyć, że w roku 1910 francuskie marmurkowe marmurki stały się sławne, co można uznać za początek abstrakcji.

Jednak według ekspertów znaczenie Kandinsky'ego w historii sztuki jest niezaprzeczalne. Ten malarz miał spuściznę orientalnej krwi, której używał jako inspiracji dla swoich dzieł.

Ponadto ten sam artysta przyznał się do zainspirowania mitycznych katedr w Moskwie; Według niego barwna architektura miasta składała się z artystycznych starć w zewnętrznym wyglądzie, które odzwierciedlały harmonijną estetykę i kulturowe wnętrze.

Podczas swojej pracy artystycznej Kandinsky opowiadał się za poszukiwaniem pierwotnej istoty formy. Z tego powodu jego pracę można streścić w trzech słowach: kolor, percepcja i doznanie.

W konsekwencji można ustalić, że sztuka abstrakcyjna jest koncesją, która zakłada mistyczny stan absolutności; to znaczy, on stawia na ciągłą ewolucję ideologiczną i filozoficzną.

Pierwsza abstrakcyjna akwarela

Aby osiągnąć estetyczną całość tych trzech założeń, autor promował użycie podstawowych elementów z tworzyw sztucznych, takich jak punktowy element pierwotny w obrazowej pracy, linia, płaszczyzna i kolor.

Poprzez skojarzenia i powiązania między tymi elementami otrzymałem nowe i odmienne postrzeganie lub odczucia dla ludzkiego oka.

Mając to na uwadze, można powiedzieć, że sztuka abstrakcyjna narodziła się w roku 1910 z pierwszą abstrakcyjną Akwarelą Kandinsky'ego. Na tym obrazie można zobaczyć kolorowe kształty, linie i wartości z tworzyw sztucznych bez powiązania z rzeczywistością; to znaczy jest to dzieło złożone z elementów nie figuratywnych.

Ponadto, jeśli widz uważnie obserwuje tę pracę, możesz zauważyć, że obraz składa się głównie z kolorów pierwotnych i wtórnych, podkreślając głównie kolory niebieski i czerwony. Podświetlają również kilka pociągnięć szarawych tonów, co powoduje kontrast z żywością innych kolorów.

-Piet Mondrian

Ten znany holenderski malarz nie specjalizował się w początkach abstrakcji, ale najpierw pracował z innymi stylami, takimi jak naturalizm i symbolika. Pomimo wielości stylów jego sztuki plastyczne pozostawały pod wpływem jego studiów filozoficznych i duchowych.

W poszukiwaniu istotnej istoty rzeczy, Mondrian grał w szczególny sposób z abstrakcją geometryczną, aby znaleźć podstawową strukturę wszechświata w swoich obrazach.

Z tego powodu jego prace są głównie oznaczone białym kolorem - który jest uważany za „nie-kolorowy” ze względu na całkowitą obecność światła i wszystkich kolorów - i przez kolor czarny, również uważany za „nie-kolorowy”. kolor ”ze względu na całkowity brak światła i obecność wszystkich kolorów.

Jednym z jego najsłynniejszych dzieł, także związanych z architekturą abstrakcyjną, jest obraz zatytułowany Kompozycja w kolorze czerwonym, żółtym, niebieskim i czarnym, który wykonał w 1921 roku.

W tym możesz zobaczyć serię prostokątnych figur o różnych rozmiarach i kolorach; jednak paleta jest dość prosta i podstawowa: jak sama nazwa wskazuje, są to kolory czerwony, żółty, niebieski i czarny, które mogą przypominać obrazy ekspresjonisty Marka Rothko.

Rzeźba

Rzeźba nie pozostała w ruchu abstrakcyjnym; w rzeczywistości wprowadził nowość w stylu: trójwymiarowość. Stało się tak, ponieważ w obrazie abstrakcyjnym figury zawsze wydają się płaskie, podczas gdy w rzeźbie promowana jest głębia formy.

-Henry Moore

Jednym z głównych jego przedstawicieli był brytyjski rzeźbiarz Henry Moore, którego monochromatyczne postacie wydają się mieć ruch i utrzymywać lekką romantyczną i wiktoriańską inspirację, według tego samego artysty.

Moore przyznał również, że ma wpływy wielkich artystów renesansu, takich jak Giotto, Michelangelo i Giovanni Pisano. Ponadto autor był zaskoczony kształtami prekolumbijskich rzeźb Tolteków i Majów.

Liczne abstrakcyjne formy rzeźbione były głównie w marmurze i brązie. Na początku swojej kariery Moore stosował rzeźbę bezpośrednią; Jednak w latach czterdziestych rzeźbiarz postanowił zacząć od formowania gipsu lub gliny, a także zastosować tradycyjną i starą formację „zagubionego wosku”.

Fale

Jego rzeźby mają jako główną cechę użycie form z falowaniem i pustymi przestrzeniami, inspirację, którą według krytyków nabył z krajobrazów angielskiego hrabstwa Yorkshire, swojej ojczyzny.

Pomimo faktu, że malarstwo abstrakcyjne opowiada się za eliminacją figuratywności, w dziełach Henry'ego Moore'a możemy dostrzec abstrakcje, które nie odcinają się od postaci ludzkiej. Można nawet odróżnić reprezentację kobiecego ciała od matczynych postaci.

Jednym z najbardziej znanych dzieł Moore'a jest Three Way Piece No. 2, który znajduje się w Toronto City Hall Plaza i powstał w 1964 roku.

Ten monochromatyczny element rzeźbiarski jest jednym z tych, które lepiej pasują do zasad abstrakcji, ponieważ jego kształt nie może być bezpośrednio powiązany z żadnym rzeczywistym odniesieniem.

-Richard Serra

Innym wielkim wykładnikiem abstrakcyjnej rzeźby jest znany artysta plastyk Richard Serra z amerykańskiej narodowości. Ten artysta, który wciąż żyje, jest uważany przez krytyków za jednego z najlepszych rzeźbiarzy naszych czasów.

Serra jest minimalistycznym rzeźbiarzem, który woli pracować z ogromnymi kawałkami stali platyny, co czyni jego prace estetyczne bardziej godnymi podziwu.

Pierwszym etapem artysty jest ten, który lepiej koresponduje z abstrakcyjnymi ideałami, dla których wykorzystywał głównie materiał stopionego ołowiu.

Huty

Znany jest również z wytwarzania dużych prostokątnych konstrukcji stalowych. Jednym z najbardziej znanych jest tzw. Tilted Arc, który ma 3, 5 metra wysokości i ma sugestywną i subtelną krzywiznę. Ta rzeźba jest dziś widoczna w Federal Plaza w Nowym Jorku.

Kolejną abstrakcyjną rzeźbą bardzo cenioną przez krytyków artystycznych jest ta znana jako Snake, która składa się z trzech stalowych warstw, które również cieszą się krzywizną (krzywe w geometrycznych kształtach są najbardziej reprezentatywnymi cechami tego artysty). Prace znajdują się w Muzeum Guggenheima w Bilbao.

Jednym z najbardziej znanych i najlepiej wykonanych dzieł Serry jest tak zwana materia czasu, która składa się z siedmiu niezwykłych dużych rzeźb, wykonanych z preferowanego materiału artysty: stali corten.

Liczby te składają się w całości z okrągłych i ukośnych form, które przypominają nam formy natury oraz okrągły i zwodniczy charakter czasu jako ludzkiej konstrukcji.

Architektura

W XX wieku poszukiwanie esencji i form pierwotnych przejawiało się również w dyscyplinie architektonicznej. Z tego powodu w abstrakcyjnej architekturze dominują figury geometryczne i płaskie, przenoszone również do stylu minimalistycznego.

Jednocześnie architektura należąca do tego stylu estetycznego stara się zbliżyć do prawdziwej wartości formy, oddzielając ją od chaosu i arbitralnej rzeczywistości codziennego życia. W ramach tych elementów dzieło architektoniczne jest inspirowane naturą, ale jest coraz bardziej widoczne w poszukiwaniu prostoty ducha artystycznego.

W architekturze konieczne jest dostosowanie zasad abstrakcji obrazkowej, ponieważ podobnie jak rzeźba, wymaga trójwymiarowej realizacji formy. Ponadto przed wykonaniem infrastruktury konieczne jest, aby artysta zakwestionował, czy ta forma, którą chce wytworzyć, może zostać zrealizowana w konkretnej rzeczywistości.

Zasadniczo architektura abstrakcyjna składa się z dużych prostokątnych okien, a także prostych i solidnych kwadratowych kształtów.

-Mies van der Rohe

Jednym z najbardziej znanych abstrakcyjnych architektów jest niemiecko-amerykański Mies van der Rohe, który przeszedł do historii jako jeden z najważniejszych artystów współczesnej architektury. Był dyrektorem niezwykłej niemieckiej szkoły Bauhaus; jednak musiał opuścić urząd z powodu wejścia nazizmu.

Jego architektura jest uznawana za prostotę i przejrzystość, cechy charakterystyczne dla abstrakcji. Ponadto preferowanymi przez artystę materiałami były stal przemysłowa i godne uwagi tafle szkła, których używał do wnętrza fasady.

Jedna z jego najsłynniejszych prac znajduje się w Barcelonie, a jej nazwa pochodzi od niemieckiego pawilonu, ukończonego w 1929 roku. Jego architektura składa się z prostych figur geometrycznych i zwraca uwagę na jego skromny rozmiar. Składa się z wolnej rośliny i utrzymuje znaczący wpływ neoplastycyzmu.

-Gerrit Rietveld

Gerrit Rietveld był znanym artystą plastykiem, który posiadał różne aspekty, ponieważ wyróżniał się nie tylko architekturą, ale także stolarstwem i designem. Jego projekty naczyń, takie jak Czerwone i Niebieskie Krzesło z 1918 r., Oznaczają nowoczesny i geometryczny charakter jako element epoki.

Jego najbardziej znanym dziełem architektonicznym i najbardziej podobnym do abstrakcyjnej estetyki jest tak zwany Dom Rietvelda Schrödera, który został zbudowany w 1924 roku. Dziś to miejsce jest wykorzystywane jako muzeum.

Jeśli chodzi o charakterystykę, zarówno wnętrze, jak i strona zewnętrzna domu oznaczają zmianę wszystkich poprzednich parametrów architektonicznych; stąd znaczenie pracy.

W domu nie ma pokoi, jest tylko jedna szeroko otwarta przestrzeń. Fasada zewnętrzna składa się z linii i płaszczyzn, odległych i pokolorowanych w celu stworzenia czegoś innego.

Muzyka

Jak wspomniano w pierwszych akapitach, ważne jest, aby pamiętać, że sama muzyka jest abstrakcyjna, ponieważ nie może być figuratywna, chociaż ma symboliczną nomenklaturę partytur.

Dlatego muzyka abstrakcyjna nie może istnieć jako ruch artystyczny. Istnieje jednak styl muzyki znany jako muzyka absolutna, który składa się z utworów muzycznych, które nie mają żadnego dodatkowego dodatku muzycznego; to znaczy, nie są powiązane z żadnym tekstem.

Innymi słowy, muzyce absolutnej brakuje poezji i tekstów, jest to jedynie kompozycja instrumentalna; dlatego można uznać, że cała muzyka pozbawiona liryki należy do tego gatunku. Niektóre przykłady można znaleźć w sonatach, symfoniach lub na koncercie.

W XX wieku było kilku kompozytorów, którzy wyróżniali się muzycznymi innowacjami artystycznymi i zbiegło się to z początkami abstrakcjonizmu. Do najbardziej znanych należą Igor Strawiński i Maurice Ravel.

-Igor Strawiński

Strawiński był dyrygentem orkiestrowym i kompozytorem narodowości rosyjskiej, uważanym za jednego z najlepszych muzyków XX wieku. Ponieważ żył do 89 roku życia, miał okazję poznać różne aspekty muzyczne; niemniej jednak jego najbardziej rozpoznawalne dzieła powstały w pierwszych latach kariery artystycznej.

Jedna z jego najbardziej cenionych kompozycji nazywa się The Firebird, balet, który po raz pierwszy miał swoją premierę w Paryżu w 1910 roku.

-Maurice Ravel

Ten słynny francuski kompozytor, podobnie jak Claude Debussy, wyróżniał się w tak zwanej muzyce impresjonistycznej, która charakteryzuje się orientalnymi wpływami i wywoływaniem kolorów przez dźwięki. Ravel zachowała także cechy ekspresjonizmu i neoklasycyzmu.

Ten muzyk jest chwalony za kilka utworów, a jednym z jego najbardziej wykonywanych utworów jest Bolero, którego premiera miała miejsce w Paryżu w 1928 roku; od tego momentu sukces tej kompozycji był ogromny i uniwersalny. Jego ruch orkiestrowy jest inspirowany popularnym w tym czasie gorącym tańcem hiszpańskim.